Fuera de Satán

Sinopsis

Un vagabundo sin nombre encuentra refugio en una playa vacía en el norte de Francia y establece una relación con una extraña joven, convirtiéndose en su protector. Cuando comienzan unos asesinatos la policía investiga, pero la pareja permanece al margen de todo. Mediante una narrativa minimalista, este drama, casi una parábola, ofrece momentos de gran belleza y de violentas reacciones. Actores no profesionales y largas tomas sirven para enmarcar emociones extremas.

La contemplacion se ha vuelto en los ultimos tiempos un motivo para expresar ideas. En esta pelicula, hacen una aproximacion a la contemplacion, pero sin ton ni son. Lo dialosgos son pobres y llenos de un misterio, que no se resuelve con la trama.

El haber recurrido a actores no profesionales, la hace, o la pretende hacer, misteriosa, por las reacciones de los personajes entre si, pero terminan siendo personajes muy forzados y llenos de cliches, de aquellas cosas en donde se ve la obligacion del director, de quedate parado ahi o tienes que hacer cara de asombro, lo cu

La piel que habito

DIRECTOR Pedro Almodóvar

SINOPSIS Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla; se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.

Probablemente para sacudirse de encima cualquier tentación al acomodamiento, y disfrazando de thriller lo que en esencia es un estudio sobre la identidad y las máscaras, sobre el sexo y la carne, sobre los cuerpos y el dominio y la muerte, Pedro Almodóvar nos ofrece aquí la que sin duda es una de sus obras más radicales de su carrera y tal vez la más sombría. Historia de un amour fou necrófilo que es también la crónica de una venganza servida muy fría, el relato de una supervivencia extrema, un cuento moral sobre los peligros de la ciencia y el retrato de una familia disfuncional que no entiende de escrúpulos, La piel que habito transita en varias direcciones a la vez: a veces juguetea con las convenciones del cine de terror, por momentos enfatiza el melodrama, a ratos simplemente incrementa el suspense. Podría definirse como un giallo de Mario Bava o Dario Argento dirigido a dos manos por el Hitchcock de Vértigo y el Wyler de El coleccionista, de no ser porque, ante todo, el cine al que más se parece es al de Almodóvar. En efecto, Todo sobre mi madre (1999) y La mala educación (2004) ya hablaban de la maleabilidad de nuestros yo externos, mientras que la invasión no consentida que el cirujano psicópata Robert Ledgard (Antonio Banderas) lleva aquí a cabo sobre los cuerpos de sus pacientes –representada a través de coreografías retorcidamente hipnóticas de látex y frío acero, de contrastes exquisitos pero terribles entre la carne joven y las heridas– es una forma de violación que evoca las transgresiones morales del protagonista de Hable con ella (2002). Como en muchas de sus películas previas, además, Almodóvar se sirve de recursos narrativos supuestamente prohibidos para los guionistas contemporáneos: diálogos expositivos, prolongados flashbacks que revelan secretos familiares inconfesables, estructuras argumentales que se separan y se reconfiguran y hacen juegos malabares con la cronología. En todo caso, La piel… debe entenderse como un desmentido para quienes pensaran que Almodóvar estaba convirtiendo su estilo –ese tono entre lo operístico y lo folletinesco, esas superficies suntuosas, esa insistencia en las citas cinematográficas– en mera rutina. Aquí lo ha rapado al cero y lo ha despellejado del mismo modo que ha dejado en los huesos el casi siempre histriónico estilo interpretativo de Banderas. Y esa austeridad formal tensa aún más la plausibilidad de una película suicida. Porque la naturaleza bizarra de lo que está contando no se nos esconde, todo lo contrario: permanece al frente. La historia es tan demente que por momentos resulta inevitable preguntarse si el director se la toma en serio o si se burla de ella. Sólo alguien de su talento puede hacer algo así sin romperse la crisma.

Topo (Himizu)

Dir: Sion Sono
Japon - 2011

"Himizu", centra su historia en un joven obsesionado con llevar una vida normal y corriente. Cuando el mundo a su alrededor comienza a desmoronarse intenta seguir adelante mirándolo de manera positiva, pero cuando las columnas que aguantanban su "normalidad" acaban por derrumbarse, y los malos pensamientos comienzan a aflorar, tiene que resistir las malas tentaciones.

La protagonizan Shota Sometani (Yuriko no Aroma) y Fumi Nikaido (Toad´s Oil), además de los cinco actores principales de "Cold Fish", Tetsu Watanabe, Mitsuru Fukikoshi, Megumi Kagurazaka, Denden y hasta Asuka Kurosawa en un pequeñísimo papel.

Indiferencia (Detachment)

Título Original: "Detachment".
Género: Drama 
País y Año: Estados Unidos - 2011Dirección: Tony Kayne

Sinopsis:
La cinta, que cuenta con un guión de Carl Lund, nos relatará la historia de un profesor sustituto (Adrien Brody) que llega a un instituto y que intenta ayudar a sus alumnos (algunos de estos adolescentes ni siquiera tienen hogar y sobreviven gracias a lo que ganan con la prostitución). 

Critica:
¿A donde vamos a parar? Esta parece ser la premisa de esta extraordinaria pelicula. Una sociedad que demuestra su decadencia a cada paso, con estudiantes que quieren conseguir su valos a traves de comportarse mal en una sociedad que los invita a ello. ¿Quien les puede decir la verdad? ¿los maestros? esa pregunta queda contestada en este guion, al poner estos dos esquemas muy de cerca, en el inviolable campo de una escuela.

Los valores van y vienen, anteponiendo el debido peso de uan moral que no termina por asentarse en ninguna parte. Personajes llenos de angustias y soluciones falsas, que nos los conducen a ninguna parte. tanto los adultos como los estudiantes, confrontan una problematica que se trastoca entre los limites de absolucion y realidad, al mismo tiempo.

Esta es una gran pelicula, que lleva extraordinaria actuaciones.

Las razones del Corazon

D: Arturo Ripstein. P: México-España, 2011. G: Paz Alicia Garciadiego, inspirada en Madame Bovary de Gustave Flaubert. F en B/N: Alejandro Cantú. M: David Mansfield. E: Alejandro Ripstein. Con: Arcelia Ramírez (Emilia), Vladimir Cruz (Nicolás), Plutarco Haza (Javier), Patricia Reyes Spíndola (doña Ruti), Alejandro Suárez (Jasper), Pilar Padilla (Jacquie), Carlos Chávez (fumigador). CP: Mil Nubes-Cine, Wanda Visión, FIDECINE, Ibermedia. Prod: Roberto Fiesco y José María Morales. Dur: 119 min. Dist: Mil Nubes-Cine.

Cansada de vivir con un marido fracasado y asfixiada por su maternidad mal llevada, un ama de casa es víctima de una crisis emocional que se agudiza cuando sus deudores la dejan sin nada. Ante su abismo personal, ella toma una decisión para aliviar su pena. Inspirados en Madame Bovary de Gustave Flaubert, el cineasta Arturo Ripstein y su guionista Paz Alicia Garciadiego reflexionan sobre las formas en las que el amor se vuelve desesperación a través de un melodrama llevado hasta sus últimas consecuencias.

Ripstein no deja de sorprendernos con sus voragines cambios, despues de haber hecho un para de peliculas sin ton ni son, nos presenta una joya como Las Razones del Corazon, que nos mete de lleno en un mundo intimista, femenino y lleno de conflicto, como es el de esta mujer atosigada por si misma y que va cavando su tumba hasta sus ultimas consecuencias. Excelsa pelicula!!!

LAS OBRAS PREMIADAS DE LOS CINEASTAS MÁS RECONOCIDOS

Desde su primera edición en 1971, la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca se ha convertido en la cita cinematográfica por excelencia con lo mejor del séptimo arte. En esta, su 53 edición, la Muestra consolida su carácter como  espacio alternativo de reflexión y encuentro con las obras de los cineastas más reconocidos a nivel mundial. Conaculta Cine, a través de la Cineteca Nacional presenta en la Muestra de este año dieciocho filmes —en su mayoría galardonados en los festivales internacionales más prestigiados— que podrán disfrutarse en la Cineteca del 4 al 25 de noviembre y a partir del 11 de noviembre en 22 salas del área metropolitana, además de viajar  como parte de Cineteca va a 25 sedes del interior de la República a partir de diciembre.

Películas provenientes de todas las latitudes desde Francia, Bélgica, Turquía, Bosnia Herzegovina, Alemania, pasando por Rusia, Portugal, España y Estados Unidos, forman parte de esta celebración que mantendrá el exitoso esquema de exhibición en el que cada filme se proyectará seis días. De este modo, la Cineteca Nacional le brinda al público todas las facilidades para disfrutar de lo mejor de la cinematografía mundial.

La Flauta Magica (segun Peter Brooks)

En sus acercamientos a la ópera, Peter Brook (Londres, 1925) ha insistido siempre en resaltar los valores teatrales del arte lírico, adaptando libremente los libretos y estructuras operísticas si con ello se veía beneficiado su concepto humanista. A veces ha respetado al pie de la letra las óperas a las que se enfrentaba -como en su mítica puesta en escena de Don Giovanni, de Mozart, para el Festival de Aix-en-Provence de 1998, con la batuta de Claudio Abbado-, pero donde se ha sentido más a sus anchas es transformando a la medida de sus ideas y sentimientos las obras líricas.

No engaña a nadie, y para dejarlo claro cambia ligeramente los títulos. Así, la trilogía chejoviana de sus lecturas de Carmen, Pelléas y Melisande y La flauta mágica se ha transformado en La tragedia de Carmen, Impresiones de Pelléas y Una flauta mágica. Son detalles pequeños, pero en modo alguno insignificantes.

El espectáculo dura hora y media y mantiene los siete personajes principales de la ópera original, con sus arias y escenas de conjunto. Desaparecen las damas de la Reina de la Noche, el trío de muchachos y los hombres armados, siendo sustituida la orquesta por un acompañamiento pianístico. En la transformación de Brook, Franck Krawczyk y Marie-Hélène Estienne del libreto original de Schikaneder se realza el carácter de cuento moral de la historia y se dejan en segundo plano las indicaciones masónicas.

Lo que prevalece es una fábula de iniciación a la amistad, la sabiduría y el amor. La realización teatral es sencilla e imaginativa, con los elementos típicos de Brook administrados con precisión: el espacio casi vacío -únicamente unos palos-, el valor emocional del actor -cantantes y figurantes actúan descalzos-, la sencillez como filosofía. Los cantantes son muy jóvenes y se desenvuelven con gran naturalidad teatral y rigor en el estilo musical. Los actores, todos ellos de color, llevan el peso de la trama. La ópera se canta en alemán y los diálogos hablados son en francés. El pianista se bate el cobre para que la tensión no decaiga en ningún momento.

Con todo ello, Una flauta mágica rezuma frescura, la historia básica se entiende con facilidad y la música de Mozart, especialmente la vocal, resplandece en su condición más cercana y hermosa. Es de esos espectáculos que hacen afición.

El Caballo de Turin

Director: Bela Tarr

La cinta parte de un suceso ocurrido en Turín en 1889, en el que el filósofo Friedrich Nietzsche corrió a proteger a un caballo de los latigazos de su dueño, marcando así, el inicio de su locura que lo mantuvo bajo el cuidado de su madre y hermanas por diez años.

Sin tratarse de una película que aborde este aspecto del filósofo alemán o su contexto, el director Béla Tarr se centró en la reflexión sobre el caballo a partir de la historia de sus dueños, un padre y su hija, quienes se enfrentan a una dura tormenta desde su humilde casa de campo.

Con pocos diálogos y a lo largo de seis días, el peso insoportable de la vida es observado a través de la rutina de los protagonistas en la que una joven mujer se levanta para buscar agua en el pozo, preparar la comida que consiste en papas cocidas, lavar ropa y estar pendiente del calentador, mientras su padre mira la tormenta desde su ventana y corta leña.

Con el paso del tiempo, el caballo dejará de comer mientras la violencia de su dueño se intensificará al igual que el clima y el ambiente que los rodea.

Gracias a la cinta El caballo de Turín, Tarr conocido por emplear tomas largas e ininterrumpidas, fue galardonado con el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín.

Un aspecto interesante es que con esta cinta, Béla Tarr ha anunciado su retiro del cine como director después de 34 años de trayectoria.

FAMILYSTRIP

España 2009
70 m.
Idioma original: español
Dirección: Luis Miñarro
Producción: Eddie Saeta, S.A.
Fotografía: Pablo García Pérez de Lara, Christophe Farnarier Montaje: Sergi Dies, Valentina Mottura Sonido: Verónica Font, Ricard Casals
Música: Georges Moustaki, Jimmy Fontana, Henry Purcell Intérpretes: Maria Luz Albero Calvo, Francesc Miñarro Bermejo, Luis Miñarro, Francesc Herrero, Pablo García Pérez de Lara, Verónica Font, Hisako Eguchi

SINOPSIS: Quizás para ser (buen) productor de cine haya que haber conocido antes el oficio del cineasta y el oficio del actor. Filmar y ser filmado antes de producir. Luis Miñarro, uno de los pocos productores de riesgo que ha dado el cine español en los últimos años, acompañante y compañero de cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lisandro Alonso, Manoel de Oliveira, y muchos otros, se aventura con esta película a filmar y ser filmado al mismo tiempo. Tomando como excusa un retrato de él con sus padres, ya ancianos, Miñarro decide filmar las largas sesiones de posado para conservar esas horas como recuerdo de familia. Unas imágenes en origen privadas que terminaron formando una película en la que, a través del tiempo y las conversaciones, las charlas familiares dejan ver el retrato de toda una época, el cambio generacional, ético y político de todo un país.
Una gran pelicula que nos hace pensar en nuestra propia realidad y nos invita a poder hacer un ejercicio similar con nuestra propias familias.

Misery

De Stephen King
Dir. Salvador Garcini
Actuan: Demian Alcazar e Itatí Cantoral

Sinopsis: Paul lleva años escribiendo historias románticas, con gran éxito comercial, que hablan acerca de una mujer llamada Misery, pero termina por hartarse de estar haciendo lo mismo y un buen día decide matar al personaje. Sheldon tenía ganas de escribir una novela seria y así lo hace; se refugia en una casa de las montañas de Colorado, en donde escribe la nueva historia. Ya de regreso a la ciudad, en la carretera, pierde el control de su vehículo y sufre un accidente, en el que queda muy lastimado de sus piernas y es cuando se lo encuentra la fanática y maniática Annie y lo encierra en su casa. Podríamos decir que lo secuestra y le exige que reviva al personaje Misery en una nueva historia.

Esta gran obra fue escrita en los 80's y llevada a la pantalla en los 90's con una extrardinaria actuacion de dos grandes de la pantalla: Kathy Bathes y James Caan. Por esta actuacio la actriz recibio un reconocimiento que la posicionaba como una de las grandes de Hollywood, el Oscar.

En la obra de teatro los dos actores involucrados hacen sus mejores esfuerzos y tratan de recrear este clasico triunfador de la cinematografia mundial, pero el esfuerzo se queda a medias.

Siendo un clasico del terror, los dos actores lo convierten en un simulacro de risa que no termina por llenar los grandes espacios, ni del terror, ni del triller y si en cambio se convierte en un clasico de la risa.

No es suficiente los esfuerzo que hacen estos dos actores, ya que hay un vacio en la obra el cual no pueden llenar con sus actuaciones. A Itatí, le falta voz y a veces no se le escucha por las variaciones que trata de hacer con el personaje y a Demian, le falta una comunion que lo haga deslindarse de su personalidad de gran actor que ha logrado en el cine, mas no en el teatro.

A la obra le falta "punch" y mucho ensayo para poder lograr el exito que se logro con la pelicula...

La obra planea estar hasta diciembre en el teatro chapultepec

Otras latitudes 2011

Como cada año, este 28 de septiembre empieza la muestra "Otras Latitudes 2011". Este evento tiene el objetivo de dar a conocer el quehacer teatral de algunas partes de la Republica Mexicana. Las funciones son en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y la entrada es gratuita...

He aqui la programacion:

La Malquerida - MichoacánDe: Jacinto Benavente
Dirección: Mauricio Pimentel Maqueda
Con: Lucía Puente-Treviño, Silvia Alejandra Garduño, Marlisse Acevedo, Omar Mendoza, Luis Ubaldo Moreno, David Hurtado Zavala, Eszpartaco Martínez Cárdenas
Sinopsis: El que quiera a la del soto tiene pena de la vida….Por quererla quien la quiere le dicen la Malquerida.
28 y 29 de septiembre
Funciones: miercoles y jueves 17:00 horas
Alegria, la Lotería - MichoacánDe: Teresa Valenzuela
Dirección: Mauricio Pimentel Maqueda
Con: Luis Ubaldo Moreno, David Hurtado Zavala, Lucía Puente-Treviño, Omar Mendoza, Silvia Alejandra Garduño, Marlisse Acevedo, Espartaco Martínez Cárdenas.
Sinopsis: Pedro y Juan anhelan una feria, pero las limitaciones económicas impiden traer dicha feria al pueblo. Para que los niños se diviertan, la abuela (Nana Juanita) les propone jugar a la lotería mexicana. Resignados, aceptan el juego, sin esperar demasiado de él. Pedro gana la primera tirada, durante la cual hace su aparición la Sirena (personaje de la lotería) que narra su vida como migrante en los Estados Unidos. Juan gana el siguiente juego, durante el cual aparece la Muerte (figura de la lotería), que intenta llevarse a la abuela. En el último juego, sale la carta de “La Alegría”, que nadie encuentra, pero que “está en todas partes”, según lo enuncia la abuela. El único premio que tenemos es “la alegría, sea grande o sea chica, y no hay que dejarla escapar”.
28 y 29 de septiembre
Funciones: miércoles y jueves

Los padres terribles

Autor Jean Cocteau Direccion: José Acosta
Figura central de las vanguardias de comienzos del siglo XX, Cocteau fue un heterodoxo no sólo en las distintas manifestaciones del arte –literatura, pintura, cine y música– que transitó de manera relevante sino también en su vida personal. A menudo signada por el escándalo, fue su obra literaria, que abarca tanto la poesía como la narrativa y el teatro, la que finalmente le valió el ingreso a la Academia Francesa en 1963.
En la década del 30, Cocteau estaba ya en un período de madurez y si bien su objetivo seguía siendo impactar, cuando no escandalizar, al espectador, procuraba hacerlo revalorizando el texto, que él mismo había dejado de lado por experimentar con técnicas excéntricas de la puesta en escena. Además de lograr superar lo que el autor consideraba tabúes estéticos y éticos, su teatro procuraba salvar la heterogeneidad del público que llenaba las salas mediante un texto que permitiese una lectura a diferentes niveles.
A partir de estos presupuestos, con Los padres terribles (1938), el autor se propone concretamente –como lo expresan los propios personajes y él mismo, en el prólogo de la obra– “ensayar un drama que sea una comedia, y cuyo centro sería un nudo de vodevil” para reflejar más acabadamente una “sociedad a la deriva” y, en particular, una familia contradictoria en la que sus miembros dibujen cambiantes figuras a la manera de un rompecabezas que admitiese soluciones alternativas. Cocteau retoma de la tragedia clásica, que tan bien conoce, conceptos medulares como la oposición orden/desorden para hacerlos estallar, mediante el trazo grueso e hiperbólico del vodevil. El humor negro que así se genera sirve para denunciar la hipocresía y el egoísmo que socavan los vínculos de una familia con una madre dominante que posterga a su marido por amar casi incestuosamente a su hijo y una hermana –la tía Léo– rechazada y enamorada desde entonces de su cuñado. La “falsa apariencia de orden” en que viven los cuatro protagonistas se resquebraja a partir del momento en que el padre descubre que comparte la amante con su propio hijo. Léo, quien se erige en portavoz de un supuesto orden, diseña y manipula, con total conciencia de director de escena, el incesante movimiento de las figuras de esa “obra maestra” –según ella misma califica esta situación de crecientes equívocos– que concluirá con un final trágico aunque sin justicia poética.
Partiendo de una versión que apenas si recorta el texto original, el director José Acosta, logra una impactante recreación apelando a una marcación de los actores que los obliga a moverse con una fuerte impronta de marionetas, con gestos excesivos o casi coreográficos, apuntando así a reforzar su carácter farsesco. Sobresaliente es el trabajo de los “padres terribles” –Martha Papadimitriou y Roberto Ríos–, y también el de Verónica Terán, como la siniestra tía que diseña la trama en la que todos quedarán apresados. Juan Cabello encarna al joven Michel con una frágil pero expresiva figura y un particular fraseo y la fresca Madelaine interpretado por Paulina Treviño . La escenografía es sumamente moderna y funcional y enfatiza la trama en los tres actos donde cambia constantemente.
La temporada estara desde el 22 de septiembre, hasta el 23 de octubre en el Teatro El Galeon del Centro Cultural del Bosque

La Pivellina

Dirección:Rainer Frimmel Tizza Covi Guión:Rainer Frimmel Tizza Covi Una mujer cincuentona, encuentra a una niña de unos dos años y ojos enormes, aparentemente abandonada. Pese a que su primera intención es no quedarse con ella, los días van pasando y la búsqueda –en la que la ayudan su marido y un nene– no arroja ningún dato acerca de la familia de la pequeña. Desde su estreno La Pivellina (2009) ha cosechado aplausos y premios en todo el mundo. La clave del film está en su mirada enternecedora sobre la relación que entabla una niña abandonada y un matrimonio mayor, sin caer en subrayados ni sentencias ideológicas.

Mi parte del pastel (Ma part du gâteau)

Dirección: Cédric Klapisch

Intérpretes: Karin Viard, Gilles Lellouche, Audrey Lamy, Jean-Pierre Martins, Zinedine Soualem, Raphaële Godin

Sinopsis:

France es una obrera que vive con sus tres hijas en la ciudad de Dunkerque, al norte de Francia. La fábrica en la que trabajaba cerró y tanto ella como sus compañeros se encuentran desempleados, por lo que decide mudarse a París para conseguir otro empleo. En busca de opciones, toma un curso de empleada doméstica y pronto es contratada por Steve, un corredor de bolsa que vive en un universo radicalmente opuesto al suyo. Envuelta en el lujo que rodea a Steve, France descubre que su nuevo jefe es en parte causante de la quiebra de la empresa donde trabajaba.

Un amor loco (l'amour fou)

Dirección: Pierre Thoretton Intérpretes: Yves Saint Laurent, Pierre Bergé
(Yves Saint Laurent - Pierre Bergé, )


Sinopsis:

Yves Saint Laurent dejó una herencia al mundo de la moda. Su compañero de vida y de negocios Pierre Bergé, vendió su colección de arte depués de la muerte de Saint Laurent en 2008, que fue considerada "la subasta del siglo". Su acervo artístico, representa mucho más que a dos simples coleccionistas; son las piezas de rompecabezas de un retrato único de 50 años ardientes y tormentosos, de éxitos y de dolores íntimos. Es un adorable y bien merecido tributo, una maravillosa mezcla de entrevistas con Bergé e imágenes de archivo, que más que contar una biografía, captura una historia de amor, de amor loco, al arte, a la moda y de dos hombres que se amaron intensamente.
Una parte importante de esta pelicula es que la subasta es generada por Perre porque no consiguio, su pareja de tantos años, conseguir la felicidad con el dinero y la fama. Nunca le lleno del todo.

Una visita inoportuna (Le bruit des glaçons)

Dir. Bertrand Blier
(Francia / 2010 / 87 mins. / 35 mm / Festivales: Festival de Cine de Venecia, 2010: Premio Label Europa Cinemas a Mejor Película Europea)

El reconocido escritor Charles Faulque, sumergido en una crisis de alcoholismo y falta de inspiración desde que fue abandonado por su mujer e hijo, recibe cierta mañana una peculiar visita. A su puerta, un hombre de apariencia extraña le dice: “Hola, soy tu cáncer, pensé que sería bueno conocernos”.
Esta tesis sirve como marco para el relato de una historia llena de dramatismo y gran ingenio. Dos seres sonn, hipoteticamente, unidos por el gran dolor de verse envueltos en una enfermedad tan brutal como el cancer y tiene que subsistir, gracias a su conocimiento de si mismos.

Mujeres al Poder (Potiche)

Dirección: François Ozon.
País y Año: Francia - 2010
Reparto principal:
Catherine Deneuve
Gérard Depardieu
Fabrice Luchini
Karin Viard
Judith Godreche
Jérémie Renier
Sergi López
Évelyne Dandry
Bruno Lochet
Gautier About

Sainte-Gudule, norte de Francia, 1977. Suzanne es una mujer consagrada a su hogar y su familia, y sometida al acomodado industrial Robert Pujol. Robert dirige con mano de hierro su fábrica de paraguas y tiene un comportamiento desagradable y déspota tanto con los obreros como con sus hijos y con Suzanne, a la que considera tan sólo una mujer florero. Después de una huelga y del secuestro de su marido, ella tiene que asumir la dirección de la empresa y, para sorpresa de todos, se revela como una mujer inteligente, capacitada y decidida. Pero cuando Robert vuelve a casa, en plena forma después de una cura de reposo, la situación se complica... Todo ello, en una deliciosa clave de humor.
Esta pelicula es un gran homenaje a esas dos grandes figuras, tan representativas, del cine frances de todos los tiempos

Häxan (1922)

Häxan (1922) - a.k.a. Häxan: La brujería a través de los tiempos
País: Dinamarca
Género: Documental, Terror
Director: Benjamín Christensen

Häxan o la brujería a traves de los tiempos es sin duda una "Rara avis in terris", debido a la innovación en efectos y detalles que posee para su época (yo por lo menos no recuerdo haber visto una película similar para la época, por ejemplo utilizando animación stop motion para darle vida a algunos demonios). Si bien comienza un poco lenta al mostrar las distintas concepciones del mundo según los antiguos, luego agarra vuelo relatando las creencias en la brujería en la edad media, las apariciones del demonio, los sabbaths que realizaban las brujas y de como cualquiera podía ser acusado de brujería en la inquisición por ser viejo o feo, pero tambien por ser demasiado bello (sobretodo cuando el vecino te tenía mala), además de magnificas escenas donde las brujas vuelan sobre la ciudad, todo esto tratado con filtros de colores (recordemos que es una película filmada en blanco y negro) y con los textos característicos del cine mudo donde se nos explíca a modo de documental como muchos aspectos relacionados antiguamente con la brujería, como caminar dormido, ver personas o cosas que otros no ven, entrar en estados de éxtasis, etc. pueden ser relacionados con desordenes mentales como por ejemplo la histeria en la actualidad (si bien se entiende 1922 perfectamente se puede acomdar a nuestro tiempo que sigue igual de loco e incluso peor).
Un dato: Cuando aparece el demonio (que es interpretado por el propio Christensen) recuerda mucho a el diablo interpretado por Dave Grohl en la película "Tenacious D in the Pick of Destiny (2006)

Calidad: DVDRIP (The Criterion Collection)

Civilizacion

Dramaturgia: Luis Enrique Gutiérrez Ortíz Monasterio

Dirección: Alberto Lómnitz

Con: Héctor Bonilla, Mauricio Isaac y Juan Carlos Vives.

Los retos son algo que revitaliza al primer actor Héctor Bonilla, quien después de interpretar a Charlotte van Mahlsdorf, un travesti sobreviviente de la Segunda Guerra Mundial, en la obra Yo soy mi propia esposa, ahora dará vida a un empresario corrupto, pederasta y con muy mal humor, en la puesta en escena Civilización, que el día de hoy inicia temporada en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, del Centro Cultural Universitario.

"El viraje que significa de la Charlotte a hacer este majadero es muy apetecible. yo considero que un actor es mejor actor mientras más géneros toque con solvencia, y mientras más diferentes sean sus personajes entre sí, eso es interpretar para mí, y pues evidentemente el contraste, que es una ley de atracción escénica, ahí está", comentó. Para Bonilla ésta será la segunda ocasión que pise un escenario de la Máxima Casa de Estudios, lo que para él significa una gran emoción por tratarse de su alma mater, pero por haber cursado la carrera de Derecho en sus aulas.

Además, dice que este personaje le cayó como anillo al dedo, porque está saliendo de una operación de cadera y parte de la personalidad de este empresario es su deterioro físico, por lo que aquí no tiene que hacer grandes desplazamientos sobre el escenario, lo que ayuda a su lograr su completa recuperación. Otra cosa que le gustó de su papel son los contrastes, "un personaje es sus contradicciónes, un personaje que no tiene contradicciones no existe, es decir la empatía con cualquier gente se da por las contradicciones, no es gratuito que el libro más importante de la literatura universal sea Don Quijote de la Mancha, porque todos somos un poco Quijote y un poco Sancho, de ahí se deriva esta contradicción de los personajes bien construidos".

En esta obra para cuatro personajes, todo gira en torno a la construcción de un edificio de 20 pisos, en el centro de una ciudad colonial cuyos inmuebles son de cantera rosada, además de ser una ciudad declarada como patrimonio cultural de la humanidad, cosa que a un empresario no le importa y hará todo lo posible por levantar su "gigante de huesos frágiles", como él llama a su edificio, así tenga que pasar sobre la autoridad, el pueblo y su propia dignidad.

Tres

Dirección: Tom Tykwer
3 se presenta como una comedia cuyo núcleo reside en un triángulo amoroso a dos bandas, en una infidelidad en paralelo. Los protagonistas son una pareja heterosexual de unos cuarenta años que se enamoran por separado del mismo hombre. Con este filme, Tykwer pretende abrir la mente del espectador, hablar de que no existe un comportamiento correcto, de que no es malo seguir los propios sentimientos e impulsos y que nunca es tarde para intentar cosas nuevas.

Atlantida

De Oscar Villegas
Dirección y adaptación: Mercedes de la Cruz.

Aunque su pequeña temporada ya termino, no puedo dejar pasar el comentar esta maravillosa obra de teatro, puesta por alumnos del tercer año de actuacion..
Atlántida cuenta la historia de una colonia marginada de la ciudad de México a través del personaje de Virginia Salazar. Una mujer siempre en busca de cariño y aceptación por parte de los demás, que se entrega de todo a todo y siempre es abusada por esta razón. Con hombres que la tratan como una cualquiera, poco a poco irá encontrando su camino en el mundo de los cabarets a través del baile, aparentemente su única virtud. Esto la llevara por un mundo oscuro de machismo, padrotes, alcohol y poco a poco le ira revelando sus propias capacidades y debilidades al mismo tiempo que nos va mostrando las peculiaridades de nuestras propias capacidades y debilidades.

Atlántida nos presenta el color de una sociedad barroquísima en donde la supervivencia se convierte en el principal objetivo, es por eso que todos los personajes buscan la felicidad a costa del dolor de los demás. Y nos hace ver como nuestro México ha perdido ese “no sé que” del que nos hablaba Chava Flores pero conserva los pecados del pasado que han mutado para seguir siendo los pecados de el presente pero a partir de otra supuesta ideología que nos revela que México avanza, pero a pasos muy cortos aún. Una gran inundación acaba con la colonia entera como acabara con la mítica Atlántida para mostrar a los hombres su propia mortalidad y restablecer el orden que estos mismos tienden a romper una y otra vez.

Los escritos de Poll (Poll Diaries)

Director: Chris Kraus


Kraus es, además de director y guionista, director de montajes operísticos, por lo que su gusto por lo escenográfico y por las historias de época está plenamente justificado. En este The Poll Diaries, en efecto, nos situamos históricamente hacia la mitad de la segunda década del siglo XX, en 1914, en los meses anteriores a la declaración de la Primera Guerra Mundial (entonces conocida sólo como Gran Guerra, sin el ominoso numeral que le endosó la Segunda), y, por tanto, apenas tres años antes del estallido de la Revolución Soviética, que cambiaría radicalmente la faz de Rusia (para bien y para mal, como sabemos). En ese contexto histórico nos encontramos con una familia de clase alta aposentada en una zona costera de Estonia. El padre, viudo, ha vuelto a casar; del primer matrimonio tiene una hija adolescente; el hombre es médico de profesión, con gran pasión por la ciencia del momento, pasión que comparte su hija. Pero la llegada de un anarquista estonio y su ocultamiento por parte de la adolescente provocarán hechos determinantes en la familia.

Kraus demuestra su saber hacer con la cámara, en un filme muy cuidado formalmente, con amplitud de recursos y con escenas espectaculares. Otra cosa es que el guión adolece de algunos errores de consideración (menos disculpables en un hombre con varios guiones ya en su haber), con personajes contradictorios y poco cincelados (cfr. el médico, padre de la adolescente, de comportamiento con frecuencia incoherente) y algunos cabos sueltos que podrían haberse evitado fácilmente. Pero también es cierto que la historia, a pesar de su dilatado metraje (más de dos horas), se sigue con interés, prendido el espectador en las andanzas de esta chica adolescente, un poco cabra loca, que con la edad se convertiría en la poetisa Oda Schaefer, una mujer adelantada a su tiempo, que se interesó por la ciencia cuando era una materia no apta para mujeres.

Confesiones en el Divan

Dirección: Percy Adlon; Felix Adlon
Alemania / Austria 2010

Verano de 1910: plagado de celos, el compositor Gustav Mahler necesita la ayuda y el consejo de Sigmund Freud. La razón: recibió una carta de amor dirigida a su esposa Alma. En ella, el arquitecto Walter Gropius le cuenta a detalle su romance con Alma, dejando a Mahler totalmente desentendido del mundo. Mahler ya no está inspirado, no puede terminar ninguna composición. De Freud espera ayuda. De hecho, la sesión con el famoso psicoanalista revelará cosas asombrosas.

Exibiendose en la Cineteca Nacional en el 10 Festival de Cine Aleman

Medianoche en Paris (Midnight in Paris)

Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Reparto principal:
Owen Wilson
Rachel McAdams
Marion Cotillard
Carla Bruni
Michael Sheen
Kathy Bates

Woody Allen la vuelve a hacer de nuevo... Con un guion que aporta su creatividad en cuanto al amor, nos presenta un homenaje a Paris de siempre, de ayer de hoy y de siempre. En este inusual homenaje a la ciudad luz, nos llena de Woody actual, con sus preguntas acerca del amor y la trascendencia y adicionalemnte, nos da la posibilidad de analizar de priemra mano, la historia de un Paris que esta lleno de historia, tradiciones y que ha sido cuna de grandes ideas e inspiracion de muchos extranjero que hicieron su camino en la vida.
No es dificil encontrarnos a aun Salvador Dali o a un Ernest Hemigway, cuyos espiritus siguen vivos en el consciente colectivo. Asi de pronto los actuales y los antiguos se unen en una experiencia inagotable de consejos y acontecimientos que llevan a cumplir un cometido: hacer realidad los sueños.
En Medianoche en París , todo es ligero, amable, romántico, sutilmente inteligente y tenuemente melancólico. El tono lo aportan el saxo de Sidney Bechet y su "Si tu vois ma mère", que suena mientras se despacha el indispensable sector de postales turísticas en los minutos iniciales, antes de los títulos. El resto está colmado de ironías, ocurrencias ingeniosas, apuntes sobre los clichés norteamericanos acerca de París y sobre la relación entre las dos culturas y abundantes situaciones cómicas. Y cuando el film avanza, las aventuras nocturnas del protagonista amenazan con repetirse y ya han incidido en la progresiva transformación de Gil, Woody Allen da algunas iluminadoras vueltas de tuerca, propone otro viaje, un remate cómico y un desenlace alentador. Se sale del cine con una sonrisa en los labios.

La Mujer que Cantaba (Incendies)

Director:
Denis Villeneuve 2010
La adaptación de 'Incendies', obra teatral del dramaturgo Wajdi Mouawad, comienza con la lectura del testamento de una mujer árabe que emplaza a sus hijos a encontrar a un padre y un hermano que no conocen. Se trata de reconstruir el pasado para entender el presente, una operación cuasi análoga a la que emprendió Ari Folman en 'Vals con Bashir', aunque ahora el libreto juega con la abstracción espacio temporal para ampliar las fronteras temáticas del relato.

Es obvio que Villeneuve-Mouawad se orientan en las inmediaciones de las colonias palestinas de Shabra y Shatila que fueron masacradas por las milicias cristianas libanesas, pero ninguno de los personajes hace referencia explícita a unos hechos que resumen el clima de violencia en el que está sumido Oriente Medio. El germen de los conflictos raciales, sociales y religiosos, y una trama paralela en la que una joven gemela indaga en los orígenes de su madre, se confunden en el tiempo traslandándonos desde el presente a los años 80 para contarnos que nada ha cambiado: las deudas de honor, el odio acervado, la sed de venganza... ¿Qué hacer? Parafraseando a Wajdi Mouawad, Villeneuve planifica dos secuencias tan estéticamente tremendistas y moralmente cuestionables como epidérmicamente escalofriantes: una violación y la muerte de una niña ejecutada a balazos; y en ambos casos apela a la necesidad de cicatrizar las heridas utilizando la savia del perdón.

Si la alternativa que propone 'Incendies' es ingenua o descabellada (como lo fue en su tiempo tratar de resolver el enigma de los puentes de Königsberg) es una decisión que le corresponde al espectador, pero lo que resulta innegociable es que Villeneuve ha disimulado las huellas teatrales del original haciendo un preciso uso del raccord que genera voluntarias confusiones poéticas. La geometría de los personajes dentro del plano, las fugas musicales... saben a vientre de celuloide, es la perfección del relato circular lo que niega su estricto compromiso con el hecho cinematográfico.

Exibiendose en Cineteca Nacional, Cinepolis

Sin Tetas No Hay Paraíso (La Película)

Director: Gustavo Bolivar
Sinopsis:
La historia es la de una jovencita que aspira a operarse sus senos para poder participar de los negocios de sus amigas y así adquirir todas las cosas materiales que desea a un costo que más adelante pagará muy alto.

Esto no difiere de muchas situaciones derivadas de las complejidades humanas en cuanto al afán de anhelar lo del otro y, ante esto, el primer ejemplo que se viene a mi mente es el de algunas sociedades como la estadounidense, en donde se vive en contínua competencia con los vecinos por tener, alcanzar y superar lo que tiene el de al lado. Aquí la diferencia radical es la forma, y es que mientras que los estadounidenses se “matan”, aquí se conseguiran dos y hasta tres trabajos por obtener todo lo material, acá y como ya ocurre en México, tristemente alcanzado por el narcotráfico, la opción es sacar provecho de las facilidades del dinero ilícito para así obtener lo que se quiere.

¿Cuál es mejor? Sin duda ninguna, la una por manejar una doble moral y la otra por ilegal y baja. Pero mal que bien ambas son reflejo o consecuencia directa de un absorvente capitalismo que hace perder la esencia del ser humano y que en este caso particular, no sería otra cosa que el hecho de poder vivir bien, con tranquilidad y con lo que se pueda lograr paso a paso sin tener que llegar al punto de regalarse para conseguirlo.

El Jardin de los Cerezos

Autor Antón Chéjov

Versión al castellano Compañía Nacional de Teatro

Dirección Luis de Tavira


Elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro

A principios de 1900, una familia endeudada de la aristocracia rusa, está a punto de perder el hermoso jardín de su finca, en el que cada árbol fue testigo de su existencia. Las transformaciones sociales de la época dieron lugar al derrumbamiento de un orden secular y a la emergencia salvaje que en su momento cambiaría la historia. El fin de una época y el inicio de otra, transcurren ante el espectador que acompaña a Liuba, a su familia y a su servidumbre, a lo largo de cada cambio de estación, todas ellas marcadas por la indolencia y el vacío. Metonimia del mundo, la escena sucede en el indecible lindero que media entre lo real y lo imaginario, la memoria y la premonición, la ilusoria felicidad de los deseos y la contundencia de los hechos.

Dulce Hijo

Dir: Kornél Mundruczó, realizada en Hungría, Alemania y Austria en 2010

Tras varios años en una institución, Rudi vuelve a casa esperando reunirse con su familia. Con su madre espera encontrar aceptación, afecto y, lo más importante, saber quién es su padre. Casi por accidente, Rudi toma parte de un casting. El director de la película queda paralizado por su inocencia y cree que ha encontrado a su protagónico. Pero un terrible acontecimiento pronto compromete las buenas intenciones de Rudi, quien se convierte en un asesino de caza. El director se da cuenta de que este peculiar y silencioso muchacho es su hijo, y que es su propia creación monstruosa. Ahora, el director no tiene otra elección más que acompañarlo en un inevitable y brutal camino, en una búsqueda común por la redención.

Rudi es considerado por KM como el monstruo creación de Frankenstein, que no hace sino rebelarse porque es una criatura que fue creada sin pedirle su permiso u opinión. Rudi no cabe en ninguna parte, además de que se le desprecia y teme. Pero KM añade a la famosa historia un elemento de culpabilidad y redención por parte del creador del monstruo, haciendo que el film sea una buena puesta al día de la obra de Mary Shelley sin el clásico y ahora ya gastado componente de terror.

El gran acierto de KM es hacer de Rudi un personaje que no es sino una víctima de las circunstancias que actúa de manera anárquica sin caer en maniqueísmos. Una muestra es la escena del casting, en la que el director lo maneja como juguete y le hace alzar los brazos como símbolo de indefensión e impotencia, a lo que él se resiste.

Otra escena destacada es en la que Rudi le exige bruscamente a Magda que vayan a la cama y, al estar juntos, la besa y acaricia con gran ternura, como si fuera un niño (que lo es, pues esconde un gran elemento de inocencia, a pesar de sus maneras violentas). Magda es la representación de la inocencia y pureza, que también sufre maltratos ya que la madre adoptiva dispone de ella como si fuera una cosa.

Cock

Una moderna e incisiva comedia sobre amor, sexualidad y las alternativas.


“Cock” ha sido una de las piezas mas destacadas de teatro en los escenarios de Londres. Se estreno por primera vez en el “Royal Court Theatre” en el 2009, y se hizo acreedora al máximo premio del teatro inglés, el “Olivier” la obra más sobresaliente del año. También se ha montado con gran éxito en España, Bélgica y Malasia.

En esta nueva comedia Diego Luna interpreta a John, un joven gay, que repentinamente se enamora de una mujer (Ilse Salas). Fascinado por esta relación, John le confiesa lo sucedido a su pareja (José María Yázpik), quien intrigado por la mujer en cuestión decide organizar una cena en su casa y así conocer a su rival... estableciendo un divertido triángulo amoroso con un giro inesperado.

La nueva e incisiva historia de Mike Bartett, le da un enfoque moderno y divertido a la sexualidad del hombre y a las dificultades que surgen cuándo los seres humanos nos damos cuenta que existen otras alternativas.

De dioses y hombres

Dirección: Xavier Beauvois. País: Francia. Año: 2010. Duración: 120 min. Género: Drama.
Sinopsis: Un monasterio en las montañas del Magreb en los años noventa. Ocho monjes cistercienses viven en perfecta armonía con la población musulmana. Un grupo de fundamentalistas islámicos asesina a un equipo de trabajadores extranjeros y el pánico se apodera de la región. El ejército ofrece protección a los monjes, pero estos la rechazan. ¿Qué deben hacer? ¿Irse, quedarse? A pesar de la creciente amenaza, empiezan a darse cuenta de que no tienen elección y deben quedarse, pase lo que pase. La película se basa a grandes rasgos en la vida de los monjes cistercienses del Tibhirine, en Argelia, desde el año 1993 hasta su secuestro en 1996

Viaje a Tulum (Reise nach Tulum)

Viaje a Tulum (Reise nach Tulum)
Dir: Eduardo Villanueva.
País: México
Año: 2011.
Guión: Eduardo Villanueva.

Sinopsis: Adan Neumann, un alemán de 33 años, es el futuro heredero de una gran compañía de construcción con sede en Berlín. Parece tener todo resuelto: carrera exitosa, grandes ingresos económicos y una mujer hermosa; pero la enfermedad y la muerte de su abuelo, Abraham, lo ponen de bruces al vacío. La cinta de Eduardo Villanueva, rica en intertextualidades y seductora en imágenes, muestra desde la mirada del protagonista el íntimo devenir de la vida y de la muerte. Una pelicula que nos muestra una interminable susecion de imaginas, algunas de ellas inconexas, pero que va seduciendonos desde el inicio hasta el fin, con una historia que a lo mejor nos cuenta que la vida transcurre de esta manera. Me parece muy singular el hecho de que esta siendo una pelicula mexicana, haya sido filmada en Berlin y con un final que nos lleva a Tulum (raiz del director)

Bala Mordida

Bala mordida
(México, 2009)
Dirige: Diego Muñoz
Actúan: Damián Alcazar, Miguel Rodarte, Flor Payán, Roberto Sosa Rodríguez

Esta película cuenta, todas esas minucias que se vive dentro del cuerpo de policía de la Ciudad de México.

Es una critica muy ardua de lo que los cuerpos policiacos son en nuestro pais. La corrupcion va de la mano con la solucion y llega a limites donde la decencia y la moral, no tienen nada que ver con la integridad humana.

Buena pelicula, no dejen de verla!!!

Post Mortem - Pablo Larraín

"Post Mortem", película chilena que relata una trágica historia de amor entre el empleado de una morgue y una bailarina ambientada en el golpe militar de 1973 que derrocó a Salvador Allende.

El filme, es el más reciente de una serie de títulos latinoamericanos que encaran las dictaduras y la turbulencia política en la región, un tema que ha capturado la atención de Hollywood. La cinta argentina "El secreto de sus ojos" ganó el Oscar a mejor película extranjera este año.

Uno de los protagonistas del filme chileno es Mario Cornejo, quien transcribe reportes de autopsias en una morgue que se está llenando rápidamente de cuerpos de víctimas civiles en los días posteriores al golpe militar liderado por Augusto Pinochet para derrocar a Allende.

Cornejo, un hombre torpe, aislado y pasivo que muestra poca emoción por lo que está ocurriendo alrededor suyo, se enamora de su vecina Nancy, una bailarina de cabaret cuya familia está involucrada en actividades políticas a favor de la democracia.

Cuando la casa de Nancy es allanada por los militares, Cornejo comienza a buscarla, como muchas familias cuyos seres queridos desaparecieron en la violencia.

"Submarino" (Thomas Vinterberg, 2010)

"Submarino" (Thomas Vinterberg, 2010)

Submarino muestra las definitivas consecuencias emocionales de una mala educación en la vida de dos chavales que han sufrido a una madre alcohólica, sin otra referencia que el exceso de licor, las bofetadas, el caos y la falta de cariño.

Un terrible accidente, causado por la irresponsabilidad de unos niños que no tenían por qué ser responsables, provoca que sus vidas sean erráticas, demostrando ambos hermanos un especial talento para meter la pata hasta el fondo.

El hijo de uno de los protagonistas se convierte en una segunda oportunidad de esperanza, alguien a quien proteger y ofrecer una buena vida, pero a veces simplemente uno no puede hacer las cosas bien.

¿Suena deprimente? A decir verdad, Submarino es un banquete de imágenes tristes, de paisajes fríos y ambientes donde la cochambre material y humana domina sin esperanza ni intención de mejora.

De las dos "vidas" retratadas, resulta algo más interesante la del ex–presidiario Nick (Jakob Cedergren), un tipo en el fondo no demasiado malvado, pero con serios problemas para el trato con los demás seres humanos, cuyo mejor amigo es una especie de homínido invertebrado agresor de mujeres.

El personaje de Nick está lleno de ricos matices psicológicos, reflejados sin asomo de sobreactuación por parte del actor protagonista. El resto del reparto también cumple con danesa efectividad, pero sus personajes son algo más extremos –yonquis, locos...–, lo cual siempre requiere de menos sutileza interpretativa.

Submarino muestra desde dentro la vida de esa gente con la cual no nos gusta cruzarnos en la calle. Lo hace de una manera cercana, casi piadosa, aunque siempre cabe discutir si el determinismo por el cual el director nos da a entender que estos personajes están irremediablemente destinados al abismo siempre se cumple en la vida real, o si esa maldición se puede eliminar con mucho empeño, intentando no repetir las conductas de los malos padres y actuando de manera opuesta, al conocer de primera mano las nefastas consecuencias.

Una familia muy normal (Loose Cannon)

Ferzan Özpetek, director del filme "Una familia muy normal", hace una dura crítica hacia los sectores conservadores de la sociedad italiana, con la historia de "Tomasso", un homosexual que vive atormentado por ese gran secreto.

Abiertamente gay, este realizador nacido en Estambúl en 1959, pero radicado desde 1976 en Italia, explora las relaciones humanas de una manera sutil, agradable, y que si bien es cierto tiene un tono reclamatorio sobre la forma en que se perciben los homosexuales en Italia, se burla de esa actitud cerrada de la sociedad en ese país.

Para su narración, el director toma como pretexto a "Tomasso", un joven nacido en el seno de una familia de clase media alta, quien regresa a Puglia, su pueblo natal, tras pasar un tiempo en Roma.

"Tomasso", quien vive atormentado por su condición homosexual, ha permitido que su familia crea que se dedicó a estudiar Administración de Empresas que le ayudará a llevar a buen puerto la fábrica de pasta de su padre, tal y como éste último lo desea.

Sin embargo, él se ha dedicado a escribir una novela que mandó a una editorial con el anhelo de que pronto se publique. A su regreso a Puglia, el joven pretende revelar a su familia que es gay, pero jamás imaginará que el haber adelantado el secreto a "Antonio", su hermano mayor, le resultará contraproducente.

Así, una noche en la que "Vicenzo", el jefe de la familia ha convocado para anunciar la sociedad con otro de sus competidores y cuando "Tomasso" está a punto de salir del clóset, su hermano "Antonio" se le adelante y revela que es gay.

La familia entera se queda pasmada, pero el más sorprendido será "Tomasso", quien tendrá que esperar una nueva oportunidad.

En este contexto, es importante señalar que no sólo este novel escritor vive atormentado, pues también su abuela, se encuentra atrapada desde hace años en el recuerdo de un amor imposible.

Por si fuera poco, resalta "Stephanie", su madre, una mujer amorosa, pero inmersa en la sociedad burguesa de la época.

En tanto, "Tomasso" encontrará en "Alba", una joven introvertida, callada y de carácter rebelde, uno de los pilares en la fábrica, a su paño de lágrimas, a una amiga que comprenderá de alguna manera su estado de ánimo, y quien al paso del tiempo verá en él más que un amigo.

La situación se complicará de manera jocosa, con la llegada inesperada de "Marco", el amante de "Tomasso", y otros tres amigos a Puglia, a quienes la familia del joven escritor recibirá amablemente y pedirá que se queden unos días.

Tanto "Marco", los amigos y el propio "Tomasso" deberán hacer un esfuerzo titánico para esconder su homosexualidad mientras permanecen en la casa, lo que dará pie a una serie de situaciones humorísticas que denotan la mano de Özpetek.

Sin embargo, las cosas se complicarán de cierta manera, y será una decisión de la abuela la que llevará la vida de la familia de don "Vicenzo", un empresario que siente traicionada su confianza y su orgullo pisoteado con la revelación de "Antonio", lo que cambiará el destino de todos los implicados.

El elenco de "Una familia muy normal" lo integran Ricardo Scamarcio, Nicole Grimaudo, Alessandro Preziosi, Ennio Fantastichini, Lunetta Savino, Ilaria Occhini y Elena Sofia Ricci, entre otros actores.

Natán el Sabio

Autor: Gotthold Ephraim Lessing

Versión al castellano Stefanie Weiss y Luis de Tavira

Dirección Enrique Singer

Diseño de escenografía, iluminación y multimedia Philippe Amand

Diseño de vestuario Mario Marín

Movimiento corporal Marcela Aguilar

Diseño de maquillaje Amanda Schmelz

Musicalización Compañía Nacional de Teatro

Producción ejecutiva Producciones Integrales Artísticas S. A. de C. V. / José Sefami

Con: Ricardo Blume, Adriana Roel, Rosenda Monteros, Arturo Beristain, Luis Rábago, Héctor Holten, Ana Isabel Esqueira, Claudio Lafarga y Yulleni Pérez Vertti y los actores invitados Javier Oliván, Marisol Castillo, Natalia Benvenuto y Luis Escárcega.

La obra sucede en 1188 tras la caída de Jerusalén en manos del sultán musulmán Saladino. Ahí, en la ciudad de David, capital del Imperio Cristiano de Oriente, conviven en un frágil equilibrio, las comunidades que las tres religiones monoteístas identifican: judíos, musulmanes y cristianos.

A la manera del renacentista Bocaccio, Lessing escenifica la historia de Natán, mercader judío que habrá de enfrentar con sabiduría los intrincados conflictos de las diferencias. Al volver de un viaje de negocios, una vez establecida la tregua entre Saladino y Ricardo Corazón de León, Natán encuentra su casa que ha estado a punto de ser consumida por un incendio en el que pudo perecer su hija única, Rea, que fue salvada por la audacia de una caballero templario cristiano que a su vez había sido indultado por el sultán Saladino, quien encontró en el rostro del cristiano, asombrosas semejanzas con su hermano Assad, desaparecido hace algunos años.

Se desatan así las intrigas sobre la identidad de los personajes involucrados en aquel incendio. Mientras tanto, el Patriarca de Jerusalén conspira para romper la tregua. Las arcas del reino musulmán están vacías y el Sultán se ve precisado a buscar financiamiento. En tal situación, Saladino llama a Natán cuya riqueza, gracias a la misma guerra, es considerable, pero al estar frente a él, en lugar de requerirle su dinero, sucumbe al enigma de su famosa sapiencia y lo desafía a responder la pregunta sobre cuál de las tres religiones que se practican en Jerusalén es la verdadera.

En el intento de respuesta, Lessing pone en boca de Natán la famosa parábola de los tres anillos recogida por Bocaccio en el Decamerón. La respuesta de Natán es un enigma mayor del que entrañaba la pregunta del Sultán, a cuya luz habrán de dilucidarse las intrigas políticas, los equívocos del amor, los cuestionamientos de la fe y el debate de la conciencia en la trama de un luminoso discurso dramatizado que propone, a favor de la tolerancia y el respeto a las diferencias como única posibilidad de la convivencia humana.

El Harem Soiré

Director:
Ferzan Ozpetek
Título original: Harem Soiré
Sinopsis:
Una joven de origen italiano, Safiyè (Marie Gillian) vendida a un Pachá en un mercado de esclavos de El Cairo, y después ofrecida al Sultán, sella un pacto con un eunuco negro Nadir (Alex Descas), encargado de la vigilancia de las mujeres del Harén. Los dos jóvenes, movidos por una atracción inconfesable y recíproca, se inician en los juegos de poder del Harén; Nadir decide hacer de Safiyé la favorita y, si es posible, la esposa del Sultán. Para lograrlo ella debe darle un hijo. A través de la historia de su ascensión al poder, penetraremos en un mundo secreto, enteramente femenino, lleno de intrigas, miedos, deseos contenidos, grandes amistades y traiciones. A medida que ellos se van acercando al poder supremo, Nadir y Safiyè no consiguen esconder por más tiempo sus verdaderos sentimientos. Terminan viviendo, aunque psíquicamente, una auténtica historia de amor, que rompe todas las barreras: un tabú prohibido para ella y para él, la negación de su masculinidad. Safiyè traduce para el Sultán las partituras de Opera, que él adora y así ella adquiere al rango de favorita y, para conservar ese sitio tan envidiado, no retrocede ante nada, llegando a eliminar incluso físicamente a sus futuras rivales. Pero ni Safiyè ni Nadir —que no tienen ningún contacto con el mundo exterior— no se dan cuenta que esa carrera hacia el poder, que va más allá de sus amores prohibidos, no puede sobrevivir en el corazón de un mundo condenado a desaparecer. Safiyè consigue tener el hijo tan esperado, pero el niño muere misteriosamente. Esto es el principio del fin. El Sultán es enviado al exilio, dejando atrás a su Harén, el cual es cerrado por la autoridades. Los dos amantes intentan vivir su amor fuera de los muros, en un mundo aparentemente más libre, pero del que ignoran sus reglas...

Rock and Roll

Abordar un tema tan complejo como ilustrar una historia del Rock and Roll, no es una tarea facil...
Esta extraordinaria obra de teatro de Tom Stoppard, nos hace recorrer, por espacio de tres horas toda una historia encaminada a descubrir como se van haciendo los mitos de todos los tiempos, en cualquier sociedad.
Con esplendidas actuaciones, mencion aparte la de Karina Gidi, nos adentran en una historia que tiene suficientes recursos, tecnicos y actorales, llevandonos de la mano de una maquina de escribir y multiples archiveros, a documentarnos de un acontecimiento tan complejo y lleno de vigor como es y sigue siendo el Rock and Roll. Si nos acometemos a la traduccion de la palabra, nos daremos cuenta que este fue el fenomeno que sucumbio en su creacion: "agitarlo y rolarlo"...
Sin duda el teatro, con recursos limitados, es el escenario perfecto para poder plasmar una pieza que invita a los espectadores a imaginar y volverse complices de los actores y el autor y el director de este fenomeno unico e irrepetible. Cada funcion tendra lo suyo.
No hay que perdersela!!!!

Soles en la Sombra

De Estela Leñero
Dirección Claudia Ríos
Escenografía e iluminación Matías Gorlero
Vestuario Adriana Olivera
Música original Erando González
Producción ejecutiva Eje Siete La Vialidad Artística, S. A. de C.V.

Tercer ciclo: Teatro mexicano/ Centenario de la Revolución

Sinopsis

Soles en la sombra de Estela Leñero es una obra de teatro sobre las mujeres en la Revolución. Selecciona tres de ellas para contar la historia de muchas otras: Juana Belén, directora del periódico Vésper, anarquista, maderista y coronela del ejército de Zapata, transitó desde el inicio hasta el fin del movimiento. María Talavera, compañera de Ricardo Flores Magón, vivió la cárcel y la persecución y no dejó de difundir la Revolución desde Estados Unidos. Leonor Villegas, directora de la Cruz Blanca, hija de hacendados, se comprometió con el movimiento carrancista y escribió sus memorias. En la obra los tiempos se entreveran y sus vidas se juntan aunque no se hayan conocido. Vuelven a vivir, en un tiempo fragmentado y multiforme, fragmentos de su lucha y activismo, les sucede el amor, las traiciones y finalmente, el olvido.

Con el elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, por orden de aparición: Mariana Gajá, Luisa Huertas, Renata Ramos, Arturo Reyes, Mariana Giménez, Enrique Arreola, Emma Dib, Diana Sedano, Américo del Río, Laura Padilla, Everardo Arzate y los actores invitados Martha Flores Astudillo, Ana María Quintana Del Río, Jesús Alejandro Arenas Hernández, Álvaro Sandoval Cazares y José Jaime.

Sala de la Casa de la Compañía Nacional de Teatro
Francisco Sosa 159, Barrio de Santa Catarina, Coyoacán

Entrada libre/ cupo limitado
Reservaciones 5658.4108

Hitler en el Corazon

Autor y director: Noé Morales

Sinopsis: La muerte de un futbolista famoso detona todo tipo de eventos en los estratos más inusitados de la sociedad. Una mirada sobre los efectos de la manipulación mediática, sobre los mecanismos del deseo y la ausencia. Un itinerario intimista por los rincones de la sala de teatro mediante el cual se evoca el fantasma del protagonista ausente y que nos revela que cualquiera de nosotros, por más que lo niegue, puede albergar algo de Hitler en su corazón.

Elenco: Iazua Larios, Azalia Ortiz, Carolina Vidal, Llever Aíza, Sonia Franco, Roberto Ríos "Raki", Alicia Laguna, David Gaitán.

El Hijo de Babilonia

Título original: Son of Babylon
País: Irak, Inglaterra, Francia, Paises Bajos, Emiratos Árabes Unidos, Egipto, Palestina.
Director: Mohamed Al Daradji
Guión: Mohamed Al Daradji, Jennifer Norridge
Reparto: Shazada Hussein, Yasser Talib


Tres años después de la caída del régimen de Saddam Hussein. Ahmed, un niño kurdo de 12 años, recorre las polvorientas y solitarias carreteras del norte de Irak con su abuela. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam al final de la Guerra del Golfo. En su búsqueda viajan por caminos devastados por las bombas y se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, de una nueva vida y de un futuro. En esos encuentros conocerán a algunos aliados inesperados.

El Placer de Nuestra Lengua

Espectaculo multidsciplinario, que lleva el erotismo a su maxima expresion...
Es un verdadero placer ver a grandes figuras de tan distintas procedencias, juntar sus esfuerzos para entregarnos un collage de genialidad, arte y gran contenido.
El escenario se vista de colores multicolores y en casi 2 horas de espectaculo nos va entregando un collage de poesia, danza, musica y otras cosas encaminadas a erotizar nuestra meente y sobre todo nuestro espiritu.
Gran Trabajo!!!
Direccion: Ofelia Medina
Actuaciones: Ofelia Medina, Ruben Albarran (vocalista de Cafe Tacuba) y otros

La Nana

Fue la película que cambió la situación laboral de las trabajadoras domésticas en Chile, pues gracias a ella se abrió un debate nacional que terminó dándoles un salario justo y días de descanso. Cuando se supo que no entraría a la carrera por el Oscar, al menos 200 de esas mujeres salieron a la calle en son de protesta. La nana, protagonizada por Catalina Saavedra, llega hoy a la pantalla grande.

“No se hizo como una historia política, pero resultó increíble todo lo que generó. Desencadenó algo en las clases sociales que ha ido generando al gremio”, dice la actriz. El largometraje dirigido por Sebastián Silva cuenta la historia de Raquel, una mujer que por años se ha dedicado a las tareas del hogar y llega a una nueva familia.

Ahí hará lo posible para ser la única y hace la vida terrible para otras sirvientas, incluso con actos violentos.

“Una de las gracias de este personaje es que el público o la odia o la quiere, y eso es un logro importante de la película —considera Saavedra—. Tenía que imaginar el pasado del personaje que vive con esa carga de amargura, como consecuencia de un pasado triste. No es gratuita ni casual esa personalidad, a eso tuve que enfocarme para el papel”, narra.

La nana ganó en casi todo festival importante en que se presentó en 2009: Sundance, Guadalajara, Cartagena y Los Satélite.

El guión surgió, recuerda la entrevistada, de una anécdota verídica del director Silva.

“Yo tuve una nana, casi todos en Chile hemos tenido una, pero sí, el personaje de la película trabaja en una casa de clase alta y Sebastián nació en un ambiente así. Sé que es un poco autobiográfica (la historia). está inspirada en una persona real”, detalla.

En enero del año pasado La nana estuvo postulada al Globo de Oro, pero en la carrera por el Oscar, en una decisión controvertida, fue eliminada por Isla 10, del mítico cineasta andino Miguel Littin.

En la entrega del Ariel 2010, peleó en contra de La teta asustada, de Claudia Llosa, y la ganadora del Oscar El secreto de sus ojos.

Fue cuando el reconocimiento alcanzó a esta actriz de 42 años, quien se ha desenvuelto principalmente en los escenarios teatrales. En México se le verá en cinco salas del DF, luego seguirá su recorrido por el interior de la República. Es coproducida por los mexicanos Edgar San Juan e Issa Guerra.

Y cuando alguien le pregunta si en un momento de su vida fue sirvienta, como algunos actores antes de ser famosos, responde rápido: “Yo soy mi propia sirvienta. Meryl Streep dice que ella es muy estrella. Pero debe sacar la caca de los gatos sin ayuda”.

El Padre Prodigo

El Padre Pródigo
De Flavio González Mello
Dirección: Martín Erazo Perales
Con: Victor Huggo Martin, Dobrina Cristeva, Emilio Guerrero, Leny Gruber, Carlos Pedreira, Olivia Lagunas, Gabriel Hernán, Gimena Gómez.
El padre pródigo retrata las ambiguas relaciones entre los miembros de una familia cuyo padre (Hernán, un profesor de literatura en la Universidad) se fue sin despedirse hace 20 años y desde entonces no ha vuelto a comunicarse: Durante estos años, sin embargo, la familia ha mantenido intactas sus viejas estructuras, como si se tratara solo de una ausencia pasajera. La verdadera crisis sobreviene cuando Hernán regresa como si nada hubiera pasado y todos pretenden que ocupe el sitio que abandonó años atrás.
Gran obra que habla de la disfuncionalidad de una familia que vive de los recuerdos y las viejas etructuras, sin tener en cuenta que las relaciones, tambien cambian...
Jueves $30.00 pesos. Teatro el Granero, detras del Auditorio Nacional